Algunos de los paradigmas del nuevo orden mundial, como la organización territorial y las demandas de un modelo económico sobre la sociedad contemporánea, están latentes a través de la geografía urbana y de las acciones de los individuos. Esta cuestión, aparece formalmente en las fotografías de esta exposición, a partir de uno de los sistemas de representación más categóricos desde el modernismo: la retícula.

La referencia entre el inicio y el fin de la arquitectura se traslada a la acumulación y al ordenamiento modular que proponen un nuevo espacio; un espacio de pensamiento sobre un estado social. Si bien estas retículas nos presentan imágenes que ondulan entre el filo de la representación y la abstracción, más allá de la composición aparece el sujeto y su lugar dentro de la construcción de la sociedad. Ambos artistas coinciden en que la masificación de la vida contemporánea es materia tangible para plantear dos preguntas sobre nuestros modos de habitar: por un lado desde la relación de beneficio y necesidad entre el hombre y la naturaleza. Por el otro, desde la cotidianidad en una pila de cubículos habitados.

El trabajo Bosque Sin Sombra de Ana María Rueda nos introduce en un espacio simulado, ordenando in situ fotografías que registran fragmentos de madera procesados para la utilización comercial. A través de la metáfora del árbol, la intervención del hombre aparece señalada en la producción masiva de un material natural y también, es nuevamente una acción –la de expandir imágenes sobre el espacio- la que constituye un territorio de reflexión.

Por su parte, Architecture of Density de Michael Wolf parte de la pregunta sobre cómo es la vida en hileras infinitas de apartamentos en Hong Kong. Este trabajo nos presenta la ciudad como una superficie bidimensional que denota en principio unos sistemas de organización tanto estéticos como urbanos. Sin embargo, las fotografías superan una composición contundente, al presentarnos pequeños vestigios de vida humana: ropa colgada, cortinas entreabiertas, cables atravesados. De esta manera percibimos un deseo inmanente en el trabajo de Wolf, en donde la curiosidad por los transeúntes y habitantes de la ciudad, nos permite acceder a la condición humana en la sociedad contemporánea. La relación del fotógrafo con su objeto es la de especular y perseguir indirectamente la intimidad del otro, y aproximarse a él sólo a través de una mirada que traspasa las fachadas de la metrópoli.

Laura Muñoz Sánchez

Fue en China donde el artista alemán Michael Wolf inició el estudio de la vida contemporánea urbana. Habiendo vivido en Hong Kong durante más de 15 años, la ciudad se convirtió en su patio de recreo visual y en el tema central de su obra.

Architecture of Density, describe la arquitectura única de esta metrópoli. Hong Kong es una de las ciudades más densamente pobladas del planeta; la mayor parte de su población vive en rascacielos compuestos por bloques de pisos de concreto. La construcción de la ciudad gira en torno a la función y no a la forma, sólo se puede distinguir un edificio del otro por las combinaciones de colores audaces de sus fachadas. 

Para esta serie, Wolf creó un estilo visual “sin salida” mediante el aplanamiento de la perspectiva y el recorte del cielo y la tierra. Las imágenes resultantes transforman estos horizontes urbanos en abstracciones aparentemente infinitas que descubren la belleza de una  arquitectura brutal y monótona.

Esta serie es más que un conjunto de abstracciones arquitectónicas, es una reflexión sobre la naturaleza de la vida urbana contemporánea. Esta Hong Kong sin tierra ni cielo se convierte en una ciudad simbólica, imaginaria, donde la densidad es llevada a sus límites. Aunque aquí la ciudad se percibe casi desierta, las imágenes funcionan como secciones transversales de un hormiguero urbano, invitando al espectador a preguntarse acerca de las miles de vidas e historias que contienen cada una de estas estructuras.

Como artista encontró su inspiración en Hong Kong y China, donde los cambiantes paisajes urbanos le entregaban constantes estímulos. En lugar de crear imágenes que describieran la inmensidad de la transformación urbana de la China, la obra de Wolf en esta región se fundamenta en el poder de lo vernáculo. Lo que lo distingue es su habilidad aguda para encontrar el valor simbólico en aquellos detalles aparentemente insignificantes que con frecuencia pasan desapercibidos. Al ‘coleccionar’ una serie de minucias urbanas, ha podido pintar una imagen más grande, no sólo de la ciudad china contemporánea sino más pródigamente, de las realidades universales de la vida urbana.

La disposición de Michael Wolf de explorar distintas aproximaciones visuales, aun abandonando la cámara del todo para trabajar con la tecnología emergente de la imagen, como Google Street View, demuestra su habilidad para renovar y enriquecer su lenguaje visual constantemente.  Al hacerlo su obra se conecta directamente con la historia de este medio al mismo tiempo que sugiere nuevos caminos para explorar.

Al contario de muchos fotógrafos de la vida citadina contemporánea, Wolf ha variado constantemente tanto su temática como su enfoque visual. Desde la arquitectura de las interminables cuadras de torres en Hong Kong a la  compresión implacable del metro de Tokyo, de la temática de la privacidad y el voyerismo en el ambiente urbano al fenómeno de la producción en masa dentro de un mundo cada vez más globalizado de arte moderno, cada una de sus series revela una nueva faceta de la vida de la ciudad, construyendo una visión compleja y matizada que propone tantas preguntas como respuestas.

Aunque constantemente explora nuevos temas y aproximaciones visuales, el tema central de  Michael Wolf siempre ha sido el mismo, desde su primera serie en un pueblo minero en Alemania hasta su obra más reciente en Asia… la gente y la realidad de sus vidas en nuestras ciudades en constante cambio.

Desde 1985, Ana María Rueda ha realizado una obra en diferentes medios —pintura, escultura, video, dibujo y fotografía— que explora, de manera metafórica, tanto el vínculo existencial entre el ser humano y la naturaleza como el impacto de la sociedad de consumo en el medio ambiente.

En esta ocasión, la artista presenta Bosque sin sombra, un montaje fotográfico compuesto por ordenamientos aleatorios de diferentes densidades, que se centra en el conflicto ambiental de la tala de árboles y la deforestación. La serie incluye 350 imágenes, de las cuales unas cien han sido obliteradas por grafito, marcando con ellas unas zonas negras que agregan una carga dramática a la secuencia visual. Cada fotografía muestra el amontonamiento de finas láminas de madera procesadas y almacenadas en bodegas. En su detalle, revela la industrialización de las maderas; en su conjunto, la lógica visual sugiere el paisaje fragmentado que les dio su origen.

A la vez sensorial y analítica, Bosque sin sombra desvela una narrativa del consumo como también una poética de la esencia misma de la madera en la expresión de su materialidad. Esta ambivalencia entre acción humana y el poder evocativo del mundo natural logra comunicar una denuncia callada. La obra ofrece un comentario sin moralismos que, sin embargo, no deja de revelar silenciosamente la devastación que la anima.

Carolina Ponce de León